Dopo una piccolissima pausa, che purtroppo per me ha coinciso con un momento abbastanza delicato, sono molto contento di ritrovarti. Spero che tu abbia potuto goderti un po’ di relax, o che lo farai a breve.

A proposito di vacanze… proprio mentre in Italia un po’ tutto si ferma intorno a Ferragosto, nemmeno a farlo apposta, Instagram ha lanciato il suo - sospiratissimo - rebranding.

Come sempre quando dei brand così grossi aggiornano la loro immagine c’è stata una corsa a chi esprime prima la propria opinione, e chiunque sembra averne una.

Però, lo sai, a me queste cose interessano poco. Invece voglio farti notare alcune cose in questo rebranding che ti possono essere davvero utili.

L’identità prima di tutto

Cominciamo da un po’ di contesto: questo rebranding era molto, molto atteso. Nel senso che è stato rimandato davvero da un sacco di tempo: il pittogramma era stato rifatto da una decina d’anni, e nemmeno allora la brand image era stata rivista in maniera complessiva.

Nel frattempo la piattaforma è diventata un sacco di cose diverse, e probabilmente proprio questo è stato - almeno finora - un ostacolo.

Già, perché quando non hai idea di quale sia la tua identità, e soprattutto quali sono gli obiettivi di business, è impossibile, e comunque inutile, mettere mano all’immagine di brand.

Ma, ti dicevo, questa cosa per Instagram è particolarmente complicata proprio perché si tratta ormai di una piattaforma globale, dove trovi davvero di tutto: dalla campagna super-curata dei marchi di moda alla foto delle vacanze della zia.

Il team che ha lavorato al rebranding per questo ha dovuto fare un percorso in cui è facile riconoscersi, perché è davvero una situazione comune quando si affronta un progetto di rebranding: hanno provato diverse strade, e poi hanno lavorato per esclusione.

Hanno dovuto ridurre ai minimi termini la risposta alla domanda “Ma, in pratica, cosa fa Instagram?”. Per concludere che è un’applicazione che serve per creare e condividere immagini e video. Su questo concept hanno poi costruito tutto il resto.

Lo script non è una scelta estetica

Questa è probabilmente la parte che è stata più discussa, e ovviamente super-criticata.

Infatti una delle novità di più grande impatto in questa operazione è l’adozione di un nuovo logotipo. Siamo d’accordo che era davvero necessario superare quello vecchio: ormai sembrava così tanto vecchio che in pratica non veniva più utilizzato.

La cosa che ho trovato super-interessante in questo rebranding è che il team ha condiviso un sacco di passaggi del processo creativo. Quindi sappiamo che, proprio su questo logotipo, hanno dovuto lavorare parecchio.

In pratica pare che abbiano esplorato un sacco di opzioni diverse, anche molto distanti dal vecchio. E qui secondo me ti ci puoi davvero ritrovare: chi non avrebbe pensato che oggi, nel 2026, per un’azienda di dimensioni globali, un logotipo con un font script è improponibile?

Eppure, ha prevalso l’identità: quindi, il logotipo lanciato la settimana scorsa è sicuramente molto più leggibile, ma non ha perso l’andamento spontaneo della scrittura a mano.

È bello? È brutto? In realtà non importa: quello che conta davvero è se riesce o no a rappresentare i valori del brand.

Comunicare la creatività

Questa, in fondo, è l’obiettivo che questo rebranding secondo me ha centrato. E non è per niente semplice.

Me ne rendo conto soprattutto seguendo i miei studenti.

Perché spesso i designer sono abituati a rappresentare il lavoro degli altri, ma non il proprio. E perché “rappresentare in modo creativo la creatività” è una sfida bella tosta.

Instagram l’ha risolto in un modo che mi pare brillante: invece di lavorare sul concetto astratto di creatività ha deciso di puntare sugli strumenti che i creator usano per produrre contenuti.

A partire dall’obiettivo della mattina fotografica, rappresentata dal pittogramma che rimane invariato, per arrivare a un simbolo grafico semplice, flessibile, riconoscibile: il mirino. Più precisamente il profilo di un mirino elettronico: quello che compare sugli schermi digitali prima di premere per lo scatto, che isola la scena o i soggetti principali.

Questa è una novità davvero interessante, perché riesce a riprodurre il punto di vista di chi usa la piattaforma per creare contenuti, e lo fa diventare protagonista.

Cavalcare un trend senza perdere identità

Tu te le ricordi le “foto brutte con i filtri - ancora più brutti”? Probabilmente, vista l’età media di chi segue Grafigata, no 😅

Però quella è l’origine di questo social, nato come anti-Facebook prima di essere acquisito da Meta. Qualcosa di molto più simile a quello che è FaceTime di oggi.

Ora, con l’ascesa dell’intelligenza artificiale, un sacco di brand stanno cercando di recuperare un aspetto umano, materiale, analogico. Beh, Instagram non poteva di certo accodarsi a un trend da ultimo arrivato, però non poteva neppure ignorare un pezzo così grosso della sua identità.

Quindi ha recuperato nella nuova immagine coordinata lo stile fotografico imperfetto, sporco, ma anche immediato e spontaneo dei primi anni. Compresi i filtri: dall’effetto ingiallito a quello con il gradiente.

Un payoff particolarmente centrato che dà coerenza a tutto il progetto: “make it anyway”.

La tipografia è una questione complicata

Voglio lasciarti qui un’ultima considerazione su questo progetto. Ho scritto un sacco di volte ormai negli ultimi tempi che la tipografia è sempre più importante, addirittura centrale nel costruire le identità di brand.

Forse, più del logo; e Instagram non fa eccezione. Per questo rebranding ha risistemato il suo Instagram Sans, ha creato lo script per il logotipo… ma non finisce qui (purtroppo).

Insieme al rebranding infatti è stato annunciato anche un font mono, ma soprattutto un font handwritten del tutto originale. Un po’ sulla scia di quello che hanno già sperimentato con i font Rosalia e Olivia.

Con i risultati che tutti ci ricordiamo, e non in positivo. Stiamo per incontrare un nuovo font discutibile e poco leggibile? Questo non saprei dirtelo, ma il fatto che ci stiano ancora lavorando, a rebranding annunciato, mi fa pensare che la questione non sia affatto semplice da gestire.

Ok, dimmi la tua:

Ovviamente, come sempre, fammi sapere qui sotto nei commenti cosa ne pensi di questo rebranding: c’è qualcosa che ti piace tantissimo? qualcosa che non ti aspettavi?

In attesa delle tue risposte, la Grafi-newsletter per il momento si chiude qui, ma tieni d’occhio la casella di posta perché, te lo ricordo, ci sono novità esagerate dietro l’angolo.

Noi ci sentiamo giovedì prossimo, ore 9 in punto.

Un abbraccio,

Lorenzo.

Qui Lorenzo Miglietta di Grafigata.com e quella che stai leggendo è la Grafi-newsletter✨.

Comincio con una premessa, perché altrimenti ho paura che non vai nemmeno avanti a leggere - e avresti ragione. Con questa newsletter non voglio assolutamente dirti che non dovresti prenderti un periodo di stacco, o di riposo.

Quello è fondamentale, per il tuo benessere e anche per la tua creatività.

Voglio però farti vedere delle trappole dentro cui tu, come praticamente chiunque, rischi d di cadere e che possono farti passare un rientro per niente piacevole.

Perché ci sono cose che stai rimandando, e il motivo non sono le vacanze.

Perché rimandi a settembre

Ecco, il motivo, molto spesso, non è perché non hai tempo e vuoi staccare.

Di sicuro, lo ripeto, ti fa bene goderti una vacanza, ma quella dura al massimo qualche settimana.

Per tutto il resto del tempo, invece, è probabile che tu stia rimandando un sacco di attività, e soprattutto decisioni, a settembre per tutt’altro motivo.

È addirittura stato dimostrato da degli studi che le persone rimandano a una data fissa - come l’inizio dell’anno o, appunto, il rientro dalle vacanze - perché il nostro cervello ci inganna. Ci convinciamo che la “versione di noi” del futuro sarà più organizzata, più costante, più motivata.

Solo che poi, a settembre, tutto ricomincia, e spesso tutto insieme. Nella rincorsa a non perderti niente quelle attività che prima hai rimandato perché “tanto lo faccio a settembre”, le rimanderai di nuovo perché “adesso non ho tempo”.

Intanto il tuo portfolio è impantanato e non riesci a prendere i progetti che ti interessano perché la tua formazione ha dei buchi o non è aggiornata.

In pratica: rimandare a settembre non ti conviene. Perché il tuo obiettivo è ricominciare con un po’ di contenuti che girano e che attirano clienti, un bel portfolio da presentare per ottenere collaborazioni, e un’organizzazione del lavoro che ti permette di star dietro a tutto senza rimetterci la salute mentale.

Ecco allora che ti ho organizzato un po’ di cose che ti conviene mettere in programma per l’estate, senza rimandare a settembre.

Una presenza web

Le tue case history non sono ancora perfette? Non importa. Davvero.

La prima volta che pubblichi qualcosa, su un qualsiasi canale social, ad esempio, è sempre tanto difficile.

Ti chiedi se il contenuto è abbastanza curato, ti chiedi cosa e quando dovresti pubblicare. Stai ore a limare una singola immagine e altrettante a capire cosa scrivere in didascalia.

Soprattutto ti chiedi “a chi importa?” di quello che vorresti pubblicare.

Sai cosa? Ti capisco benissimo, perché all’inizio anch’io avevo questo preciso identico problema. Anzi, alcune volte ancora adesso quando preparo i contenuti per Grafigata mi vengono gli stessi dubbi.

Però ti garantisco che, se non pubblichi nulla, le cose non diventeranno più semplici.

Questo succede solo… indovina? Cominciando a pubblicare.

Solo così, e solo cominciando a costruire un vero dialogo con le persone (perché, ricorda, è per questo che sono nati i social) vedrai che man mano tutto diventerà più semplice, e i tuoi contenuti miglioreranno.

L’estate poi è un ottimo momento per sperimentare con contenuti un po’ più leggeri e per mescolare tanti tipi di spunti diversi.

Così, a settembre, avrai già una buona di post che popolano il tuo profilo e un pubblico interessato.

Una nuova competenza

Quella cosa che vorresti davvero saper fare. Vale tutto: dal compilarti da te il 730, al costruire agenti con l’intelligenza artificiale, dalla programmazione alla modellazione 3D, dalla serigrafia al type design.

Ci sono certamente un sacco di competenze che in qualche modo sono vicine al mondo del graphic design, e della carriera da freelancer in quest’ambito.

E sono quelle famose competenze per cui non hai mai tempo. Perché hanno una loro curva di apprendimento, e di certo richiedono un minimo di libertà nello sperimentare, sbagliare, riprovare.

Però sono anche skill che spesso possono fare la differenza tra ottenere l’incarico per progetti davvero fighi e continuare a vivacchiare. Soprattutto quelle che ti permettono di dare un valore aggiunto, o di ottimizzare il flusso di lavoro.

Se rimandi a settembre, il rischio vero è quello di perdere del tutto l’opportunità per mettere quel mattoncino in più che ti consente di salire di livello. Comincia adesso, senza pressione e senza aspettative, e a settembre stupisci il prossimo cliente.

Un po’ di networking

Ok, è estate, e magari le persone sono sparpagliate tra la spiaggia e i boschi.

Ma, te lo ricordi quel collega bravissimo con l’illustrazione? o quella sviluppatrice con cui avevi collaborato per un progetto e poi vi eravate ripromessi di provare a realizzare un’app insieme?

Ecco, senza essere invadente, puoi provare a ricontattare queste persone. Magari hai già un’idea in mente di qualcosa che potreste fare insieme, magari invece nel risentirti verrà un’idea a loro.

Insomma, questo è il momento buono di rispolverare l’agenda, ficcare il naso in qualche profilo, e trovare alleanze per progettare una ripartenza piena di opportunità.

Un percorso di formazione

Forse stai facendo altro e vorresti cominciare a fare sul serio con la grafica. Forse sei autodidatta e ti sembra che ti manchi “quel qualcosa” per buttarti in una carriera davvero soddisfacente.

Forse lavori già nell’ambito della creatività ma con un profilo diverso e senti che dovresti cambiare. Insomma, ci sono un sacco di motivi per cui potresti valutare un percorso di formazione.

Solo che ci sono delle considerazioni che ti stanno frenando. Intanto ti chiedi se ne valga la pena: per una buona formazione serve un investimento, e hai paura di perderci dei soldi.

In questo caso ti do due consigli: ovviamente devi fare attenzione alla qualità della formazione che acquisti. Di solito lo capisci da due cose: intanto, se ti fanno promesse esagerate o ti convincono che “basta” una certificazione, meglio non fidarsi! E poi, ti può sembrare banale, ma le recensioni sono sempre importanti. Soprattutto se, come fa Grafigata, le trovi su una piattaforma terza, seria e controllata, come TrustPilot.

L’altro ostacolo probabilmente è l’impegno: hai paura di non riuscire a ricavarti il tempo e le energie necessarie. Però, se ci pensi, rimandare non risolve certo questo problema, anzi: di sicuro al rientro avrai ancora più cose da fare, e soprattutto non avrai più il tempo di programmare il tuo lavoro in modo da poter ricavare spazio per la formazione.

Quindi, anche in questo caso, il mio consiglio è di cominciare subito, in modo da sfruttare questo momento più tranquillo e avviare una ruotine.

Chiudo con una piccola anticipazione: la newsletter farà un giro di pausa per ferragosto, ma non rimando nulla a settembre. Dal 20 di agosto torno a scriverti e a progettare contenuti con il Grafi-Team, perché stiamo preparando una novità gigantesca

Noi ci sentiamo giovedì 20, ore 9 in punto.

Un abbraccio,

Lorenzo.

Qui Lorenzo Miglietta di Grafigata.com e quella che stai leggendo è la Grafi-newsletter✨.

Proprio la settimana scorsa c’è stato un annuncio di quelli che non si vedevano da anni nel campo del graphic design: Coca Cola ha lanciato il suo restyling, che interesserà tutti i mercati internazionali.

Come puoi immaginare si tratta di un lavoro mastodontico, che ha coinvolto addirittura 9 realtà diverse, tra agenzie, fonderie, fotografi, aziende di software, studi di packaging design.

E forse fin da qui vedi che crolla un po’ un luogo comune: cioè che oggi tutti debbano saper fare tutto. In realtà, quando le cose si fanno serie, serve una spiccata specializzazione.

Un po’ la teoria della “preparazione a T” di cui parlo da una vita: devi saperne un po’ di tutto a livello base, e poi avere un’ottima preparazione in una cosa sola.

Ok, sto divagando. In realtà quello che mi ha colpito di questo restyling è quante cose puoi imparare da un caso del genere. Per cui, senza perdere tempo, ti dico le più importanti.

Già: il logo non c’entra

Te ne ho parlato poche news fa: il logo è sempre meno importante.

Non che non vada progettato, non che non abbia senso dentro una brand identity. Ma quello che guida è, appunto, la brand identity.

In questo il caso Coca Cola è proprio emblematico: perché un po’ tutto è stato ritoccato, perfezionato, uniformato. Tranne, appunto, il logo.

Un po’ c’entra, ovviamente, il fatto che un logo davvero iconico come quello “Coca Cola”, che si studia sempre proprio come esempio di quelli ben riusciti, non conviene toccarlo. A meno che non sia necessario un riposizionamento.

Il motivo principale però è principalmente un altro. Cioè che, soprattutto oggi, il logo è solo un pezzo di una brand identity. Che quindi può funzionare, o non funzionare, a prescindere dal logo.

In questo caso il restyling si è concentrato su altri elementi, proprio perché erano più critici.

Palette estremizzata

Quel bianco e rosso è certamente un accostamento che è entrato in profondità nell’immaginario collettivo legato al brand, tanto che pare abbia influenzato persino le tradizioni natalizie di Nord America ed Europa .

Ma la sfida di oggi, per Coca Cola come per qualsiasi altro brand, è quella di mantenere la propria immagine solida e coerente attraverso un’infinità di touch point.

Per i colori la questione è davvero complessa, visto che ogni canale ha la sua resa e il suo spazio cromatico. In questo restyling è evidente che a farla da padrone è il mondo digitale.

Infatti il rosso su cui si fonda la palette è stato reso più brillante, come per perfezionare il suo impatto proprio negli ambienti digitali, quindi da schermo.

Non solo: il restyling ha lavorato proprio sulla presenza del rosso come pilastro dell’identità, e ha riportato questo colore ad avere una presenza molto più diffusa nel packaging, per l’intera gamma. Le diverse varianti saranno differenziate non più per il colore della confezione, ma attraverso altri elementi, come grafiche e colore del font.

Segni grafici protagonisti

Il principale problema che questo restyling doveva risolvere era mantenere la coerenza e la forza pervasiva del brand Coca Cola attraverso i mercati globali e, almeno questa è l’ambizione, per parecchi decenni a venire.

Per raggiungere questo obiettivo le realtà che se ne sono occupate hanno fatto un lavoro tanto ovvio quanto difficile. Hanno cioè cercato di capire cos’è il brand Coca Cola a partire dalla sua storia.

La domanda di partenza è stata: quale parte della comunicazione visiva del brand è quella che è entrata nella testa delle persone in modo più efficace?

La risposta che ha guidato tutto il progetto è che gran parte dell’identità visiva del marchio si ricollega a due segni molto semplici che appartengono alla sua storia.

Il “nastro”: quella forma sinuosa ispirata al profilo delle iconiche bottigliette in vetro e che nel logo completo sta sotto il logotipo, come fosse una sottolineatura.

L’altro è il cosiddetto “Arden square”. Una forma che non è una vera forma, e non è neppure (solo) un quadrato.

È piuttosto una “cornice”, o meglio un layout: uno spazio appunto quadrato, ma previsto anche in varianti rettangolari, progettato nel 1969 come campitura rossa che ospita il logo.

Pare sia stato ispirato da un altro marchio americano di enorme successo, Elisabeth Arden, che aveva trasformato la porta rossa del primo salone in un’icona riconosciuta in tutto il mondo.

La tipografia è centrale

Forse più del logo: almeno è quello che viene fuori se analizziamo i più importanti rebranding degli ultimi anni.

Che spesso hanno lasciato il logo invariato, o appena poco rifinito, mentre hanno elaborato font del tutto nuovi, e spesso esclusivi del brand.

Per Coca Cola sono stati progettati da Brody Associates addirittura due diversi font. Un sans-serif, Unity, utile per dare leggibilità in ogni dimensione e canale, e un serif, Better With, progettato per accordarsi con lo Spencerian Script del logotipo.

Questo ci fa capire che, in qualsiasi progetto di brand identity, la tipografia e le scelte che la riguardano sono davvero determinanti per la qualità di ogni applicazione. Per questo devono sempre essere fatte con grande attenzione agli obiettivi di business, al posizionamento del brand, ai valori che vuole comunicare e all’efficacia nel trasmettere correttamente informazioni e messaggi.

Ovviamente c’entra l’AI

Se guardiamo al restyling Coca Cola, diventa evidente che, oltre alle specializzazioni che già conosciamo nel campo della grafica, una parte importante del lavoro di progettazione avrà a che fare con l’intelligenza artificiale.

Perché dare più coerenza e ordine agli strumenti dell’identità visiva ha avuto come scopo non soltanto dotarsi di nuove linee guida, ma disporre di indicazioni e materiale chiaro e ordinato per poter addestrare un motore di intelligenza artificiale generativa.

Sviluppato da Adobe, sarà ora lo strumento utilizzato da Coca Cola come supporto per la comunicazione del brand.

Questo ti fa capire molto bene come dovrebbe approcciarsi all’intelligenza artificiale chi vuole costruire o consolidare la sua carriera nel graphic design. Invece di temerla come concorrente, questa tecnologia va studiata in maniera seria per riuscire a comprenderne tutte le applicazioni ed essere in grado di dare il proprio contributo di valore anche tramite questo strumento.

Non si finisce mai d’imparare

In conclusione, progetti come il restyling Coca Cola sono davvero una fonte preziosa di informazioni, soprattutto perché ci dimostrano che non c’è davvero nessuna situazione in cui non sia possibile migliorare, o evolvere, e che non esiste cliente o progetto tanto piccolo da non poter beneficiare del tipo di approccio che hanno portato a questo risultato.

Fammi sapere se sei d’accordo con questi punti di forza che ti ho illustrato, se ne vedi altri, o al contrario hai notato delle scelte discutibili.

Anche questa Grafi-Newsletter è conclusa!

Noi ci sentiamo giovedì prossimo, ore 9 in punto.

Un abbraccio,

Lorenzo.

Qui Lorenzo Miglietta di Grafigata.com e quella che stai leggendo è la Grafi-newsletter✨.

Lo so benissimo che, tra il caldo, le città che si svuotano, i clienti che o ti pressano per finire tutto subitissimo o ti ghostano con il più classico dei “ne parliamo a settembre” tu probabilmente hai voglia soltanto di spegnere il PC e non sentir parlare di, che so, font o vettoriali per minimo un mese.

Ti capisco: questa cosa è normale, e soprattutto è sana.

Ma ti avviso che c’è un rischio: se ti dimentichi come funziona la creatività e perdi l’occasione di sfruttare al meglio questo periodo potresti ritrovarti al rientro con ancora meno energie, meno idee, meno determinazione.

Per questo ho raccolto qua un po’ di suggerimenti che, secondo, dovresti mettere in valigia.

La creatività si allena

Partiamo da qui. Perché questo magari anche per te è un punto sdoganato, ma per un sacco di persone ti garantisco che non è scontato.

Non cadere nella favoletta del

La creatività non è una rara anomalia che trovi solo in qualche persona particolarmente fortunata. È una caratteristica di base degli essere umani.

Ci sono però persone che, nel tempo e per diversi motivi, l’hanno più o meno coltivata, esercitata, allenata.

La creatività funziona come un muscolo, ma anche come un serbatoio: quando lavori è come se bruciassi un pieno di carburante.

Alla fine di un anno lavorativo allora è del tutto normale aver bisogno di “fare il pieno”.

La cosa buona è che, se l’hai consumata lavorando, il modo migliore per ricaricare la tua creatività è proprio fare cose che non c’entrano un gran che con il lavoro.

Cerca stimoli fuori dalla tua quotidianità

Il bello dei periodi di vacanza è proprio che ci danno l’opportunità di organizzare le nostre giornate in modo diverso da tutto il resto dell’anno.

Quindi, anche se resti a casa, hai la possibilità di dedicarti a qualcosa che ti interessa, e che non è il tuo lavoro.

Più o meno qualsiasi cosa va bene: se hai una passione, coltivala. Ci sono tantissime attività da cui ricavare stimoli: da una semplice passeggiata, al leggere libri, fumetti, sfogliare riviste, giocare ai videogiochi, andare al cinema, suonare, andare a visitare una mostra …

In realtà questo è solo un piccolo elenco, ma te ne potrei citare un milione di queste cose. Tra l’altro ogni persona ha la sua, e questo è il bello.

L’obiettivo è proprio quello di esporti il più possibile a stimoli nuovi, che rompono la monotonia del quotidiano e “svegliano” il cervello, dandoti la possibilità di costruire nuovi collegamenti.

Osserva  - con intenzione - e cataloga

Che tu stia preparando il viaggio della tua vita, o passi l’estate in città, quello che ti sto per dire non cambia.

Perché una cosa che puoi fare in questo periodo, e che ti sarà molto utile dal fatidico settembre in poi, non ti richiede scenari mozzafiato, ma solo un po’ di attenzione e curiosità.

Puoi infatti esplorare la tua via, la tua città, il posto dove ti trovi in vacanza, in maniera attiva e consapevole. Datti un obiettivo: ad esempio, trovare 3 pattern nella tua via. Oppure fotografare il mare in tutte le sfumature di blu che riesci a cogliere.

O studiarti le forme delle foglie, e ancora raccogliere i volantini con i font più fighi che trovi in giro.

Persino fare foto ai cartelli degli aeroporti perché sono scritti con il tuo font preferito (… ogni riferimento a una cosa che potrei aver davvero fatto io è puramente casuale 😅)

Così non solo alleni la tua capacità di osservazione, non solo ti apri a un sacco di nuove ispirazioni, ma puoi anche costruirti dei repertori che ti torneranno molto utili.

Ad esempio, se vuoi che le tue moodboard siano davvero speciali, perché non sfrutti l’occasione per crearti dei repertori di immagini da cui poi andare a pescare quando ne avrai bisogno, invece di dover sempre pescare dagli stock?

Torna indietro

C’è un concept che hai lasciato a metà? Una soluzione che il cliente non ha voluto esplorare?

Un buon esercizio può essere quello di tornarci su e di completare il progetto, proprio come se l’avessi dovuto consegnare. Il risultato diventerà una case history che poi potrai sfruttare dentro un buon portfolio, o raccontare sui social.

Un’altra attività che ti può tornare utile è fare un po’ di ordine, fisico o digitale, nei vecchi progetti, e ristudiarteli. Se è passato del tempo, persino qualche anno, puoi analizzarli come se non fossero nemmeno tuoi.

Cosa c’era che non andava? Cosa faresti diversamente oggi? E cosa invece magari era un buon approccio, che nel tempo hai trascurato?

Anche questi progetti potresti provare a rifarli da zero e sfruttarli per la tua comunicazione.

Gioca

Un grosso problema che affronta chiunque lavori nella creatività è trovarsi a fare più o meno sempre le stesse cose.

Questa ovviamente è una necessità, però sappiamo anche che non è molto d’aiuto, né per la produttività né per la qualità del lavoro.

Quindi l’altro consiglio che ti do, se riesci a ricavarti del tempo, è di fare qualcosa di nuovo, di provare ad acquisire una competenza, anche se lo farai malissimo e solo per gioco.

Hai sempre fatto loghi e vorresti disegnare un’illustrazione? Oppure vuoi capire meglio come funziona il font design e ti piacerebbe smanettare per progettarne uno?

Ti piacerebbe programmare un videogioco? Ecco, tutte queste cose qua durante l’anno magari non ti dai il permesso di farle, perché ti sembra che siano una perdita di tempo, perché probabilmente non faranno mai parte del tuo lavoro e perché hai mille altri pensieri.

Ma l’estate è il momento perfetto per fare una cosa nuova, senza la pressione di farla bene. Scegli quello che ti piace, e affrontala proprio come un puro divertimento.

Sprigiona creatività

Per sprigionare creatività alla fine non servono super-poteri, e nemmeno formule complesse. Di sicuro però ti serve costanza, ti serve curiosità, e ti serve qualcuno che sia in grado di accompagnarti in questo percorso.

Questo alla fine è quello che fa Grafigata, e che cerchiamo, insieme al Grafi-Team, di fare al meglio, anche quando quasi tutte le altre persone sono in vacanza.

E tu, come alleni la tua creatività in questo periodo?

Qualunque sia la tua risposta, fammi sapere nei commenti come vivi questo periodo e soprattutto se per te c’è qualcosa che funziona alla grande per ricaricare le batterie della creatività.

Anche questa Grafi-Newsletter è conclusa!


Noi ci sentiamo giovedì prossimo, ore 9 in punto.

Un abbraccio,

Lorenzo.

Qui Lorenzo Miglietta di Grafigata.com e quella che stai leggendo è la Grafi-newsletter✨.

Da quando faccio contenuti credo di aver detto un sacco di volte, ormai, che per cominciare non è affatto necessario saper fare già tutto, conoscere ogni tecnica e ogni metodo, padroneggiare con sicurezza ogni tool.

Beh, se ci insisto così tanto è perché io sono il primo che, quando è iniziata l’avventura di Grafigata, molte cose non le sapevo. Oppure avevo delle convinzioni che poi, con l’esperienza, ho capito erano completamente sbagliate.

Ad esempio io per un sacco di tempo ho usato molto male, oppure non ho utilizzato per niente, le moodboard.

E questo mi ha causato un sacco di problemi! Quindi poi, nel tempo, ho capito come dovevo organizzare il mio flusso per usare bene questo strumento e riuscire ad essere più preciso; soprattutto, a perdere meno tempo.

Per questo voglio spiegarti bene cos’è una moodboard e come dovresti sfruttarla nella progettazione, soprattutto di loghi e brand identity.

Ok, cominciamo dall’inizio

Cos’è - e cosa NON è - una moodboard

Lo so che passi le ore, di giorno ma soprattutto di notte, a pacchi su Pinterest o Behance … quindi credi di sapere alla perfezione cos’è una moodboard.

Ecco: non è proprio così. Nel senso che una raccolta di immagini / video / risorse raggruppate per tag non è proprio quello che ti serve. Piuttosto è un punto di partenza.

Diciamo che, se vogliamo dare una definizione a livello base

In questa definizione è importante soprattutto che ti concentri sulle parole “ragionata” e su “atmosfera o stile preciso”.

Ecco, la moodboard infatti è un vero e proprio prodotto del tuo processo, e non devi confonderla con il brainstorming.

Non è neppure un “di più” che inserisci nella presentazione della presentazione per fare una slide in più e far vedere che hai fatto bene i compiti.

Quando devi fare la moodboard

Una cosa fondamentale perché il processo funzioni è capire quando devi affrontare le varie fasi, moodboard compresa.

Perché c’è il rischio che tu la crei quando ormai non ti serve più a niente.

Quindi, secondo me, la dovresti creare prima ancora dello sketching. Prima delle tue prime idee su un possibile logo.

In pratica, appena dopo il debrief, è la prima cosa che dovresti fare quando ti metti a progettare un logo o un’identità.

Perché, prima di tutto, la moodboard serve a te. Ti serve a focalizzare bene quali sono le fonti visive (o musicali, o testuali … ) da cui vuoi pescare per realizzare una determinata identità. E a dargli già una prima forma coerente.

Attenzione: l’identità che stai modellando non è quella che piace a te, o che tu colleghi istintivamente al brand o al cliente. Ma quella che meglio corrisponde agli obiettivi del cliente che ti sta commissionando il lavoro.

Anzi, la moodboard ti aiuta proprio a esplorare più soluzioni, e a valutarle con il cliente prima di sviluppare un’intera proposta di logo o identità.

2/3 moodboard = 1 sola proposta

Questo per me è un passaggio molto importante, e anch’io ci sono arrivato solo dopo averci sbattuto il naso diverse volte.

Costruire bene una moodboard vuol dire mostrare al cliente diverse strade che si possono percorrere a livello di identità.

Ti faccio un esempio: Davide, che durante il percorso Da 0 a designer ha progettato l’identità per una gelateria artigianale, avrebbe potuto ipotizzare anche una soluzione diversa. Puntando magari su un’eleganza minimale, ma più tradizionale, con colori naturali e desaturati, in stile Alberto Marchetti.

E se avesse scartato questa opzione prima di rendersi conto che era la direzione che il cliente avrebbe giudicato più efficace?

Ecco, io per questo ti consiglio di preparare 2 o 3 moodboard, farlo come si deve, e poi presentarle al cliente. Questo per avere la certezza che quando parli di concetti come “minimale” “moderno” “fatto a mano” “vivace”, il cliente abbia davvero ben presente qual è il linguaggio visivo a cui ti riferisci.

Così, una volta individuata l’estetica su cui convergono le vostre competenze, potrai sviluppare una sola proposta: quella giusta.

+ moodboard = - revisioni

Più o meno sempre per gli stessi motivi una moodboard ben fatta ti salva anche da infiniti giri di revisione.

Questo perché la proposta, ad esempio di logo, che presenterai non sarà più un totale “shock” per il cliente, e non dovrai più giustificare la scelta di ogni tratto e ogni elemento.

Avrai già costruito e condiviso un mondo visivo coerente e convincente in cui ogni scelta che hai fatto avrà il suo senso.

Cosa ti serve per fare una mood board

Anche questo non è un passaggio per nulla scontato.

Nel senso che non ti bastano una connessione internet e Pinterest.

Intanto hai bisogno di un progetto: non ti serve a niente buttare su una tavola 50 immagini a caso. Devi aver pianificato un layout in cui poter inserire ispirazioni visive che riescano a rappresentare in maniera equilibrata un po’ tutti gli elementi che fanno parte di un’identità visiva.

Ti serve un’idea molto precisa del tipo di estetica o di mondo visivo che vuoi rappresentare: che potrebbe anche essere molto distante dalle tue preferenze, ma perfetto per il brief che hai ricevuto.

Poi ti servono delle fonti ricche e stimolanti: Pinterest va bene, i motori di intelligenza artificiale pure.
Io però, per aiutarti, voglio segnalarti 3 strumenti che penso ti aiuteranno a stimolare ancora di più la creatività e rendere più interessanti le tue ricerche:

• Public Work di Cosmos: una raccolta di immagini che puoi navigare liberamente, trascinando la schermata in ogni direzione, che comincia da un punto casuale e che si va raffinando man mano che clicchi sugli elementi per te più interessanti.

• Are.na: una piattaforma dove puoi esplorare contenuti creati da altri utenti, che rappresentano un sacco di discipline diverse, creare le tue collezioni e tracciare collegamenti tra le risorse.

• Mymind: una sorta di browser personale. Attraverso un’estensione puoi salvare con un click tutto quello che attira la tua attenzione mentre navighi, e creare un archivio. Mymind classifica il materiale che hai archiviato e ti permette di esplorarlo attraverso chiavi di ricerca.

Insomma, sono davvero tante le risorse che ti aiutano a creare delle moodboard che funzionano.

La cosa più impegnativa è integrarle nel modo migliore nel tuo flusso di lavoro. In questo modo non saranno un esercizio sterile o inconcludente, ma uno dei tuoi strumenti più efficaci per sviluppare al meglio il tuo progetto e per arrivare alla creazione del logo con la giusta consapevolezza su qual è il risultato che vuoi ottenere e quali sono gli elementi da cui devi partire.

In pratica con la moodboard sconfiggi in un colpo solo il rischio di incomprensioni con i clienti e il blocco del foglio bianco.

E tu usi le moodboard?

Aspetto le tue risposte, per ragionarci insieme nei commenti.

Anche questa Grafi-Newsletter è conclusa!


Noi ci sentiamo giovedì prossimo, ore 9 in punto.

Un abbraccio,

Lorenzo.

Qui Lorenzo Miglietta di Grafigata.com e quella che stai leggendo è la Grafi-newsletter✨.

Il mio lavoro - per fortuna - consiste nel confrontarmi tutti i giorni con un sacco di persone diverse: sia designer che ovviamente studenti, studentesse, ma anche persone che con il design e la grafica non c’entrano nulla. Aziende, professionisti di vario tipo, gente che fa marketing, ecc ecc.

Ecco, una cosa che ho imparato proprio grazie a questa esperienza è non dare mai niente, ma proprio niente per scontato quando parli di qualcosa.

Sta roba qua ce l’ho sempre avuta scolpita nel cervello, anche scrivendo gli articoli sul blog di Grafigata o facendo i video per i nostri video-corsi.

Ad esempio, se io ti parlo di “logo”, tu sai perfettamente a cosa mi riferisco.

Sì? O forse pensi di saperlo?

Perché, oggi soprattutto, il logo non è più un prodotto dalle caratteristiche semplici, definite una volta per tutte.

Oggi i loghi devono svolgere un sacco di funzioni in più rispetto a vent’anni fa, e devono supportare la brand identity in modo completamente diverso.

Ecco oggi avevo voglia di parlarne: ti spiego qui cos’è davvero, oggi, un logo. Mostrandoti anche alcuni recentissimi casi studio sia dal mondo di Grafigata che da fuori.

Un “disegnetto” non ti basta

Questo è proprio un concetto fondamentale, che dovresti cercare il più possibile di trasmettere anche quando ti confronti con i clienti, ad esempio in fase di offerta o preventivo.

Un “disegnino”, un “ghirigoro” più o meno a caso non è mai stato un logo e non è mai servito a niente. Ma oggi questa cosa è sempre più evidente.

Perché negli ultimi venti - trent’anni si sono moltiplicati in modo rapidissimo i canali e i mezzi attraverso cui un brand comunica la sua identità.

Nemmeno ai tempi in cui il logo si metteva su biglietti da visita, cartelline e magari sull’insegna, una forma, o peggio ancora un’illustrazione, tracciata un po’ a caso, senza nessuna riflessione sull’identità e gli scopi di marketing, poteva funzionare. Oggi è davvero impensabile mantenere questo approccio.

Proprio perché oggi il logo non è più l’unico, e forse nemmeno il più visibile elemento di un’identità visiva. Eppure, se progettato nel modo giusto, rimane un elemento indispensabile.

Com’è fatto un logo flessibile

Di “loghi flessibili” o “identità flessibili” si parla ormai da qualche anno. Proprio perché, con l’esplosione della comunicazione digitale, è diventato sempre più necessario per i brand dotarsi di una serie di strumenti visivi per rendersi riconoscibili e memorabili dentro un sacco di contesti diversi.

Perché appunto il contesto è diventato sempre più importate. Ok, ma quand’è che un logo si definisce “flessibile”?

In pratica un logo flessibile è progettato in modo che uno o più elementi possano essere modificati o sostituiti, senza però che il logo perda riconoscibilità e originalità.

Detto così magari più sembrarti complicato, ma lo è meno di quanto pensi. Ti faccio un esempio, così ti chiarisco le idee.

Elisa, durante il suo percorso Da 0 a designer, ha progettato la brand identity per Palco 12, un centro di arti performative.

Un luogo fisico, aperto al pubblico, con necessità complesse come segnaletica, e cose del genere. Che nel tempo ospita spettacoli ed eventi, ognuno con una sua identità.

In questo caso il fatto che logo e identità siano flessibili non solo rende più facili utilizzarli e adattarli, ma proprio per questo tutela la coerenza dell’identità.

Elena ha risolto infatti questa sfida con un logo “modulare”, fatto di forme geometriche semplici, che compongono una sorta di sigla del nome di brand. E una palette di colori molto varia, eppure coerente, che permette di utilizzare proprio il colore come codice per identificare, ad esempio, diversi tipi di spettacolo.

Un concept, tanti brand

Ci sono poi dei casi in cui il logo flessibile può essere utile non tanto per comunicare un singolo brand in contesti diversi, ma per ricondurre a un concept riconoscibile diversi brand, che fanno capo a un’unica iniziativa.

È il caso di Terra Mamy: un ecosistema di brand che unisce agricoltura al femminile, street food plant-based e spazi di formazione immersi nella natura. Stella ha realizzato l’identità di Terra Mamy proprio perché le diverse attività che fanno parte di questo progetto potessero avere una caratterizzazione forte e allo stesso tempo essere riconoscibili come parte di un insieme più grande.

In questo caso è soprattutto la tipografia, con la scelta di un font morbido e giocoso come il Pauline Script, a garantire la coerenza tra le diverse linee commerciali, insieme alla scelta di puntare su un logotipo, sempre costruito “in verticale”.

Così i valori espressi dall’identità rimangono coerenti e riconoscibili, anche attraverso tre loghi completamente diversi.

Il logo è un pretesto

Oggi il logo ha cambiato ruolo: non è più centrale nella definizione di un’identità. Allo stesso tempo, però, è assolutamente necessario.

Perché l’identità di brand è diventata un vero ecosistema, in cui ogni elemento ha un grande valore, e ognuno funziona proprio perché sta insieme a tutti gli altri.

Lo capisci da un caso molto recente, di cui ti voglio parlare perché penso sia un lavoro davvero da manuale.

L’agenzia Modì, che probabilmente conosci per i loro contenuti social sul graphic design in ambito sportivo, ha appena realizzato l’identità visiva dell’Ascoli Calcio.

A parte il fatto che è davvero una figata pazzesca quindi bravissimi a “quelli di modì”.

Ma comunque, se vai a dare un’occhiata al materiale, ti rendi conto di quello che intendo con “ecosistema”. Perché, ovvio, c’è il logo / stemma: costruito in maniera cristallina, unisce il logo precedente a un simbolo della storia cittadina, l’antico “anellone piceno”.

Ma non si ferma certo qui: a questo si affianca un logotipo che, a sua volta, diventa un logo che può funzionare da solo, e che viene arricchito graficamente dal pittogramma del picchio, animale simbolo dei Piceni e da sempre figura legata alla squadra.

Quello che ne risulta è un brand system ricco di segni che possono ricoprire il ruolo di logo, in contesti e canali diversi.

Ma proprio perché tutto è stato progettato in maniera consapevole e coerente questo non rende più debole il marchio: al contrario gli permette di emergere in una pluralità di situazioni.

Ma un logo, mi serve ancora?

A questo punto, però, soprattutto se sei all’inizio e stai cercando un modo di proporti sul mercato come graphic designer, potrebbe venirti un dubbio: ma un logo, soprattutto un logo personale, mi serve ancora?

Beh, io ti direi proprio di sì. Soprattutto se lo progetti come ha fatto Martina che, durante il percorso Da 0 a designer, ha lavorato proprio sul suo personal brand.

Voleva rappresentare il suo particolarissimo approccio alla grafica, che parte dal suo talento per i collage.

Una tecnica che utilizza non solo per composizioni libere, come i poster, ma anche per realizzare brand identity e packaging design. Nel suo caso il nome di brand “emme.inc” e il logo, con i suoi “tagli” e sovrapposizioni, servono proprio a rendere evidente e memorabile questo approccio così caratteristico.

Anche in questo caso, però, il rombo che compare nel logo come “puntino sulla i”, diventa un elemento grafico ricorrente, intorno a cui Martina ha creato, ad esempio, un pattern, che è importante per il suo personal brand esattamente come il logo o come la palette.

Pensa plurale

In pratica oggi il logo non ha perso la sua funzione, semplicemente ha cambiato ruolo. Non è più il perno attorno a cui ruota tutta l’identità visiva, ma un ingranaggio che lavora insieme a tutti gli altri elementi che la compongono.

Per questo è ancora più importante oggi affrontare la progettazione di un logo non come una prestazione “mordi e fuggi”, o un “lavoretto”, ma come lo spunto per un percorso più articolato verso un’identità solida e completa.

E per questo è sempre più importante imparare a farlo non attraverso “guide in 10 punti”, ma acquisendo un metodo solido che ti permette di affrontare ogni tipo di progetto.

Insomma, come facciamo con i nostri grafi-percorsi …

Anche questa Grafi-Newsletter è conclusa!


Noi ci sentiamo giovedì prossimo, ore 9 in punto.

Un abbraccio,

Lorenzo.

Certo che tizio ha tantissimo stile

La grafica di tizia ha uno stile inconfondibile

… Loro sì che hanno talento …

Quante volte ti sono girate in testa queste frasi? Beh, voglio dirti subito che devi dimenticartele.

Perché lo stile non ti porta da nessuna parte nel graphic design e il talento non è una cosa innata.

Sono altre le cose su cui devi concentrarti, adesso ne parliamo meglio.
Quindi, per cominciare:

Ciao!

Qui Lorenzo Miglietta di Grafigata.com e quella che stai leggendo è la Grafi-newsletter✨.

Nelle ultime settimane io e il resto del Grafi-Team abbiamo avuto la possibilità, fantastica, di parlare con un sacco di persone.

È successo perché, dopo il lancio del nostro percorso avanzato Grafi-Master, abbiamo completamente riempito l’agenda delle consulenze e soprattutto… terminato i posti disponibili per il percorso. Almeno in questa prima fase.

Quindi, come prima cosa: GRAZIE a chi ha dato fiducia alla nostra offerta di formazione e, per chi magari ci ha fatto un pensiero ma ha rimandato.

Dicevo: una cosa che viene fuori di continuo in queste conversazioni è la paura di non avere abbasta talento. Di non avere quel “qualcosa in più” di innato: la coolness, lo stile (qualsiasi cosa significhi).

Ecco, è importante farti capire che non funziona così, davvero.

Per questo voglio condividere un po’ di cose che ho imparato e che possono guidarti nella direzione giusta per costruire la carriera che desideri.

Cosa c’entra lo stile (spoiler: nulla)

Comincia a farti questa domanda: cosa vuol dire, davvero, stile?

Io sono andato a guardarmi il vocabolario per essere sicuro di non dirti una roba inesatta. “Stile”, se vai a vedere il significato centrato per il graphic design, in pratica è il

Questo modo di esprimersi è riconoscibile perché è fatto di elementi visibili e coerenti: colori, forme, layout, accostamenti …

Ecco, un sacco di designer si fissano su sta questione dello stile.

Cioè, sul serio, l’avrò sentita centinaia di volte questa domanda: come faccio a fare il designer, a comunicare o a farmi notare se non ho un mio “stile”?

Che, però, sto benedetto “stile come designer” non ti serve a molto.

Perché chi fa grafica risolve problemi, e le soluzioni devono essere originali e specifiche per ciascun progetto.

Avere “uno stile” quindi non è un vantaggio per chi vuole dimostrare professionalità nel campo della grafica. Perché nei progetti per i tuoi clienti non deve venire fuori il tuo stile. Deve venire fuori quello del loro brand!!

Ok ma… quindi, cosa serve davvero?

Serve allora piuttosto allenare il gusto.

Cos’è il gusto - e come costruire il tuo

Il “gusto” invece è la capacità di riconoscere quello che è valido, interessante; soprattutto quello che funziona.

Non basta: chi ha sviluppato un gusto solido e sicuro sa dire soprattutto perché qualcosa funziona.

Quindi: sa fare delle scelte, e sa motivarle.

Questa è una competenza davvero importante per chi sta già lavorando o vuole cominciare il suo percorso nel graphic design. Ed è molto più utile di tutte quelle “pratiche”.

Ti faccio un esempio: magari tu impari ad utilizzare perfettamente un software, come, che so, Illustrator. Però, non lavori sullo sviluppare il tuo gusto.

In pochi mesi può capitare che Illustrator venga aggiornato; il workflow cambia completamente e tu ti trovi a doverlo imparare da zero. Addirittura, può darsi che esca un tool che risolve in due click la maggior parte di quello che prima richiedeva una competenza importante e ore di lavoro.

Risultato? Il “valore” che proponevi al mercato non esiste più, e devi ricominciare da capo.

Invece un gusto ben allenato è una capacità che ti permette di fare la differenza in qualsiasi contesto, in qualunque panorama tecnologico e per ogni tipologia di progetto.

Il gusto si impara

Le persone, anche più motivate, spesso si bloccano proprio perché si convincono di non avere certe capacità, determinanti per fare grafica. E credono che non ci sia una soluzione, perché pensano che queste abilità siano una specie di dono di natura.

In pratica si convincono che ci sono persone che nascono con “il buon gusto” e “un talento naturale”, mentre altre no.

Questa cosa qui, mi ha sempre fatto inc... arrabbiare! Perché non è per nulla vera, e ormai ho un sacco di esperienze che me lo confermano.

Il gusto è qualcosa che si impara. Che si costruisce e che si può perfezionare con il tempo.

Soprattutto è una competenza che ha benefici oggettivi e misurabili, ma che funziona tanto meglio quanto più riesci a costruire il tuo gusto: originale, unico, personale.

Adesso ti spiego come fare.

Guardati intorno

Per costruire il tuo gusto personale devi partire da due cose a cui, se vuoi fare grafica, non puoi davvero rinunciare:

• la curiosità

• lo spirito di osservazione

In pratica: guarda! Se possibile, guarda cose di qualità, cose che hanno funzionato. Sto usando la parola “cose” perché l’importante è che si tratti di opere che usano linguaggi visivi.

Puoi guardare opere d’arte, campagne pubblicitarie, affissioni, film, graffiti, manga, architetture, riviste, scenografie, videogiochi, interfacce, packaging, illustrazioni … insomma, quello che ti pare, davvero.

L’importante è che lo fai con intenzione. Soprattutto, che man mano impari a capire cosa attira il tuo sguardo, cosa fa fermare la tua attenzione, e cosa no.

E che, mentre procedi in questa direzione, cerchi di trovare sempre più cose che corrispondo “al tuo gusto”, magari in più nicchie diverse.

Vedrai che, poco per volta, diventerà evidente quali sono le caratteristiche che uniscono tutte queste cose.

Fatti domande

Questo è un altro passo fondamentale per costruire il tuo gusto.

Cerca di analizzare cosa ha funzionato. Qual è il problema che quell’opera/progetto/segno ha risolto? Da dov’è partito chi l’ha creato? Quali erano le condizioni iniziali? E quale risultato ha ottenuto?

È importante che trovi una risposta a queste domande, perché, in pratica, stai imparando un metodo di lavoro. Meglio ancora: stai imparando il metodo che ti corrisponde di più.

Ti faccio un esempio banale: spesso nella grafica ci si divide in maniera abbastanza netta tra minimalismo e massimalismo. Nessuna di queste due strade è di per sé giusta o sbagliata. Ma il tuo gusto personale quasi di sicuro tenderà più verso un estremo o l’altro.

Ed è evidente che la differenza sta nel modo in cui le persone approcciano i problemi. Per qualcuno funziona meglio ricorrere a pochissimi elementi, a cui dare risalto. Per qualcun altro invece funziona di più sommare elementi diversi e trovare un equilibrio armonico tra questi.

In pratica: il tuo gusto è quella cosa che rende visibili le tue strategie di problem solving.

Passa alla pratica

Fai attenzione: coltivare il tuo gusto personale non è lo stesso che fare decine di moodboard su Pinterest.

Il gusto, per diventare sempre più preciso, ha bisogno di passare attraverso il confronto con la pratica. Perché altrimenti rimane qualcosa di astratto, che non ti serve a nulla.

Quindi è molto importante che superi tutte le paranoie che hai in testa e che ti butti nei primi progetti. Anche se non hai ancora clienti, puoi sfruttare l’occasione per realizzare dei progetti personali.

Vale lo stesso anche se già stai lavorando: da un lato ovviamente puoi cercare, tutte le volte che ci riesci, di portare il tuo gusto come valore aggiunto nei progetti che segui. Se però, per qualsiasi motivo, questo è impossibile, anche in questa situazione io ti consiglio di misurarti con progetti personali.

Così puoi mettere in campo le tue competenze e il tuo approccio con dei lavori fatti e finiti, che segui dall’inizio alla fine. Senza tutte le limitazioni di progetti in cui magari devi mettere pezze a problemi che non hai creato o fare modifiche che rovinano la coerenza del risultato.

Questo è il motivo per cui i percorsi che abbiamo costruito per Grafigata, Da 0 a designer e Grafi-master, fanno lavorare tantissimo gli studenti su progetti di questo tipo. Dai casi per il portfolio ai materiali per la propria comunicazione.

Ci servono per guidare studenti e studentesse a costruire, un progetto dopo l’altro, il proprio gusto personale e a trovare il loro metodo vincente.

Se ti va, raccontami nei commenti cosa ne pensi: credi di avere un gusto personale? come l’hai costruito? Pensi che i clienti lo apprezzino?

Non vedo l’ora di confrontarmi con te e con chi vorrà unirsi alla conversazione.

Per ora, anche questa Grafi-Newsletter è conclusa!



Noi ci sentiamo giovedì prossimo, ore 9 in punto.

Un abbraccio,

Lorenzo.

“Non ho niente di interessante da dire.”

“Non voglio fare l’influencer di lavoro.”

“Non riesco a produrre contenuti con una qualità che mi soddisfa.”

La riconosci sta vocina? È quella che viene fuori ogni volta che pensi di metterti a comunicare il tuo lavoro online come designer.

Una vocina che più la fai parlare e più in realtà diventa…

…un mostro.

Quella vocina-mostro che ti fa rimandare il post, l’articolo, il video. E che ti convince che tanto, alla fine, basta il passaparola.

Cioè, dai, che sbatti…

La pensavo anch’io così. Anzi, in parte a volte quella vocina lì la sento ancora, devo ammetterlo.

Peeeerò sai che ho fatto?

Ho imparato a riconoscere quella vocina per quello che è: una serie di alibi comodi.

Oggi ti voglio raccontare cosa ho capito in questi 12 anni di Grafigata sulla comunicazione come designer: senza fronzoli, senza discorsetti da guru, senza promettere ricette magiche.

Insomma, qui è Lorenzo Miglietta di Grafigata.com e quella che stai leggendo è la Grafi-newsletter✨

Pensa che proprio in quest’ultima settimana mi sono sbloccato su una cosa che credevo di non poter fare mai: ho tenuto il mio primo webinar in diretta.

Non ne avevo mai fatto uno in 12 anni! Anche io ascoltavo la vocina che era diventata un mostro di perfezionismo.

Ma comunque l’ho fatto. Un’esperienza nuova.

E come tutte le esperienze nuove, mi ha lasciato in mano un po' di cose importanti che voglio condividere con te. Cose che valgono per chiunque oggi voglia farsi trovare dai propri clienti senza per forza diventare un personaggio sui social.

Attenzione: questa guida rimarrà gratuita per una settimana (o per sempre se te la conservi nella tua casella mail), poi diventerà esclusiva per gli abbonati a pagamento qui su Substack.

Dai, iniziamo.

La prima cosa che bisogna fare è una: capire come ignorare o distruggere quella vocina. E cioè:

Prima cosa: disinneschiamo gli alibi

Per riuscire a comunicare come designer il primo step che devi fare è sicuramente questo: distruggere tutti quegli alibi che ti limitano. Quella vocina che ti dicevo all’inizio. Vediamo come:

• "Non ho niente di interessante da dire."
  Falso. Hai un mestiere, un modo di vederlo, errori che hai imparato a evitare, scelte che fai in modo diverso da altri. Tutto questo è interessante per chi non è completamente dentro il tuo mondo e cerca qualcosa da te. E quelle persone sono tante, tantissime

• "Non voglio fare l'influencer di lavoro."
  Eh, bene, non farlo. Comunicare il tuo lavoro non significa diventare un influencer. Non c'entra niente. Te lo spiego meglio tra poco.

• "Non riesco a produrre contenuti con una qualità che mi soddisfa."
  Benvenuto nel club 😂🧡

Anche il primo video che ho registrato nella mia vita mi sembra terribile, oggi. Durava un minuto e cinquanta, e se vai a riverderlo ti rendi conto che ero a anni luce da dove sono adesso.

Però l'ho pubblicato.

Se non l'avessi fatto, oggi non staremmo qui a parlarne.

Anzi, vorrei tornare indietro nel tempo e darmi un grande abbraccio per aver avuto le palle di pubblicarlo quel microscopico video!!

Ci ho messo due anni per uscire dalla zona comfort di nascondermi dietro il blog scritto (perché, se non lo sai, Grafigata nasce proprio come blog). E non solo non avevo assolutamente idea che quello sarebbe diventato il mio lavoro. Ma non avevo nessuna intenzione di raccontare i fatti miei.

Io volevo solo condividere con chi si trovava nella mia stessa situazione quello che stavo imparando. Per il resto ero convinto che il passaparola, e tanta buona volontà, avrebbero fatto tutto il resto.

Ma non era così allora.

E lo è ancora meno adesso.

Perché oggi NON comunicare è un problema (molto più di prima)

C’è una cosa che voglio dirti, e te la dico in modo diretto: il momento storico in cui stiamo lavorando ha cambiato le regole.

Fino a qualche anno fa potevi anche permetterti di essere un bravo designer “silenzioso”. Lavoravi bene, il cliente ti raccomandava al cliente successivo, e magari tiravi avanti per anni così. Funzionava. Certo, non per tutti, ma funzionava.

Oggi quella strada si è strettissima. Perché l’intelligenza artificiale ha riempito il mercato di output decenti a costo quasi zero.

Decenti. Non eccezionali.

E “decente” è il livello con cui ora compete chi non si fa trovare. Se sei silenzioso, ti confondi nella mediocrità che l’IA produce a getto continuo. Non perché tu sia mediocre, ma perché nessuno sa che esisti e quindi nessuno può distinguere il tuo lavoro dal mucchio. O capirne il valore.

Comunicare oggi non è più “una cosa in più che potresti fare se ti va”.

È il modo in cui il mercato capisce che esisti, che ti riconosce, che ti distingue.

E no, comunicare non significa diventare un personaggio. Significa una cosa molto più semplice, che ora ti racconto.

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Adesso pensa al cliente prima ancora. E quello prima ancora.

Quante cose hanno in comune? Settore, dimensioni dell’azienda, modo di parlare di marketing, tipo di richiesta iniziale?

Ecco, se la risposta è “praticamente niente, sono tutti diversi”, è qui che voglio portarti oggi. Perché il problema, molto probabilmente, non è il tuo preventivo. No, non è il tuo portfolio. E no… nemmeno il tuo prezzo.

Il problema è che stai cercando di essere il designer giusto per chiunque ti scriva.

Ciao!

Qui Lorenzo Miglietta di Grafigata.com e quella che stai leggendo è la Grafi-newsletter✨.

Settimana scorsa ti ho parlato di preventivi: di come si costruiscono, di come si presentano, di cosa c’è dentro un prezzo.

Oggi voglio fare un esperimento e provare a parlarti di chi sta dall’altra parte di quel preventivo.

E del perché, finché non lo progetti con la stessa cura con cui progetti un logo, una copertina, un’illustrazione o un progetto di grafica editoriale, continuerai a non capire perché non ti scelgono.

“Mi è successa una roba bruttissima”

Sai qual è la “roba bruttissima” che spesso sento raccontare da chi fa graphic design di lavoro?

No, guarda, non sono quelle richieste assurde di cui parlano tutti: “Fammi il logo più grande”, “lo voglio più WOW” o roba del genere.

La cosa davvero più difficile da mandare giù è una situazione che hai già vissuto, oppure che ti troverai a vivere abbastanza spesso. È normale, e lo stesso non smette di essere sgradevole.

Un cliente ti ha contatto per una sua esigenza, tu hai speso un sacco di energie, hai fatto una call di approfondimento, hai magari anche cucito una proposta su misura con qualche bellissimo template preso in giro o fatto da te.

Poi hai anche fatto uno sconticino, perché dai, ci sta, il lavoro ti interessa (anzi, ti serve proprio)…

Mandi la proposta e…

Niente.

Nessuna telefonata, nessuna mail, ghosting.

In pratica, non ti hanno scelto.

È una cosa sempre, sempre molto dura da mandare giù. Però, se non ti hanno scelto, probabilmente hanno delle ragioni. Che sono molto diverse da quelle che pensi.

Quindi oggi ti voglio spiegare qualche tecnica davvero super-efficace per farti scegliere (quasi) sempre.

Il cliente ha sempre (la sua) ragione

La cosa più utile che puoi fare è capire le ragioni del cliente.

Perché di solito viene spontaneo fare proprio il contrario: cioè pensare che, se non hanno scelto il tuo preventivo, la “colpa” è dei potenziali clienti.

Che non capiscono, che non sono disposti a pagare abbastanza, che non hanno idea di come si fanno gli investimenti in marketing, che si sono fatti truffare da qualcun altro.

Sai cosa? in realtà niente di questo è vero. O meglio, nessuna di queste spiegazioni serve a farti avere più clienti.

Perché magari tu pensi che il problema sia il prezzo, poi scopri che lo stesso cliente ha chiuso il contratto con un’agenzia che si fa pagare anche 2 o 3 volte quello che gli avevi preventivato.

Oppure che tu hai fatto una proposta basata su quello che il cliente ti ha richiesto, ma poi il lavoro l’ha preso chi ha guardato un po’ più a fondo e trovato una soluzione ai problemi di business del cliente che non fosse il “solito pacchetto”, ma più personalizzata e funzionale.

Insomma, quello che sto cercando di dirti è che, se non ti richiamano, se ti rifiutano i preventivi, è perché in quella proposta il cliente non ha trovato la sua soluzione.

E te lo dico subito: non è perché tu sia un incapace. E nemmeno perché lui sia un cliente tirchio.

Ma, semplicemente, perché la proposta non parlava la sua stessa lingua.

Meno stile, più strategia

Un altro dubbio che di sicuro ti tormenta quando non approvano il tuo preventivo è di non essere abbastanza capace o non avere abbastanza talento.

Cominci a convincerti che il motivo è che le tue grafiche non sono abbastanza cool o convincenti.

Così ti metti a fare il milionesimo progetto personale, o ad “aggiornare il portfolio”. O meglio ti convinci che questo sia necessario, e poi continui a rimandare. E al prossimo cliente che ti ghosta, la tua autostima professionale finisce sottoterra.

Poi vedi un sacco di progetti pubblicati da designer che, di certo, più di te non hanno né la bravura tecnica né l’esperienza.

Da questa situazione, in questo modo, non ne esci.

Quello di cui hai bisogno è un cambio radicale di prospettiva. Perché non devi cercare “colpe”: né tue, né dei tuoi potenziali clienti.

Il problema vero è questo: fai fatica a trovare I TUOI veri clienti.

E per trovarli, devi sapere come sono fatti.

In che senso Lorè?

Aspetta, ti spiego meglio:

Progetta il tuo cliente

So che questa cosa ti sembra strana — quasi paradossale. Il cliente non è qualcuno che dovresti “trovare”? Cosa significa “progettarlo”?

Significa esattamente quello che faresti per qualsiasi altro progetto di design: definire chi è il destinatario, di cosa ha bisogno, in che contesto si muove, cosa lo fa sentire compreso. Solo che invece di farlo per il cliente del cliente, lo fai per il cliente che vuoi attrarre tu.

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È la bugia che ti racconti ogni volta che un cliente ti dice di “no”.

E ti capisco: è la spiegazione più comoda che esista. Ti toglie ogni responsabilità, dà tutta la colpa al prezzo, al mercato, al cliente, al cuggino. E ti permette di non guardare quelle scomode, invece, di cose.

Perché la verità è un’altra, ed è un po’ più dura da digerire: quel cliente non l’hai perso quando hai mandato il preventivo. L’hai perso molto prima.

Ma ci arriviamo.

Qui Lorenzo Miglietta, graphic designer e fondatore di Grafigata.com e quella che stai leggendo è la Grafi-newsletter✨

Torniamo a noi.

Credo che chiunque abbia cominciato questa carriera, a un certo punto, abbia dovuto fare i conti con un dubbio pesante e fastidioso: “Perché non mi scelgono?”.

Purtroppo la risposta che viene in mente per prima è sempre la stessa: il prezzo.

Oggi ti voglio spiegare perché quella risposta non è solamente sbagliata, ma è anche soprattutto quella che ti impedisce di crescere. E voglio darti anche qualche dritta su come dovresti costruire un preventivo e ragionare sulle cifre.

Dai, cominciamo. Dicevo:

No, non è il prezzo

Te lo dicevo, questa è senza dubbio la risposta più semplice. Ma è anche la risposta che non ti aiuta a crescere.

Perché, anche se può sembrarti assurdo, di solito il cliente non sceglie in base al prezzo. O meglio, non sceglie SOLO in base a quello.

Altrimenti, non soltanto tutte le agenzie di comunicazione chiuderebbero, a partire da quelle più blasonate, che si fanno pagare cifre davvero importanti.

Ma non ci sarebbe più nessuno spazio nemmeno per designer che chiudono, ogni mese, progetti da diverse migliaia di euro (fidati, ne conosco).

Il problema è che, quando ti dici “è il prezzo”, in realtà ti stai aggrappando a una serie di convinzioni comode che ho sentito mille volte:

• “Il cliente vuole solo roba economica”

• “C’è sempre qualche designer cugggino che si vende a meno”

• “I clienti italiani non capiscono il valore del nostro lavoro”

• eeeeccetera

Sono comode proprio perché spostano il problema fuori da te. Ma sono anche il motivo per cui resti fermo: finché credi che il problema siano i clienti, nessuno verrà a salvarti.

Io di questo sono convinto, ma facciamo un gioco.

Voglio sta volta provare a dare ragione a chi pensa l’opposto, cioè che il problema è il prezzo. Cosa succede quando lo abbassi?

C’è sempre chi costa meno

Questo è il primo, grande problema che si crea quando pensi che abbassare il prezzo ti farà avere più clienti.

Pensaci: perché togliere il 5% e non il 10%? Oppure il 15%

D’altronde, nella competizione globale, su piattaforme come Fiverr, puoi trovare prodotti e servizi, anche di discreta qualità, a pochi euro.

Se davvero i tuoi clienti scelgono in base al prezzo, non ti sceglieranno comunque. Anzi, pagheranno un abbonamento a ChatGPT o a Claude e si produrranno da soli quello che pensano gli serva.

Risultato? Tu hai abbassato i prezzi, guadagni meno, con minor soddisfazione, e comunque sei sempre lì: non hai acquisito più clienti.

Ti posizioni “in basso”

L’altra cosa che capita quando abbassi i prezzi è che i clienti cominciano a percepire il tuo lavoro come qualcosa che vale poco.

D’altronde, sei tu che hai dato un valore così basso al tuo lavoro …

Questo non vuol dire solo che guadagnerai poco, ma anche che ti ritroverai a lavorare male. Perché la cifra che hai chiesto ti qualifica come una figura che si occupa solo di eseguire.

In pratica, il fatto che tu ti sottovaluti porta anche il cliente a sottovalutarti.

Quindi, anche se ti sembra logico il contrario, non ci sono veri benefici ad abbassare i prezzi.

Ok, quindi???

Allora, come dovresti affrontare il modo in cui costruisci un preventivo? Provo a darti qualche dritta!

Come fare un buon preventivo

Il miglior modo per fare un buon preventivo è … non concentrarsi sul prezzo. Di quello, ne parliamo più tardi.

Piuttosto, concentrati su come presenti la tua offerta e il tuo lavoro in generale.

Perché il cliente forse non è disposto a pagare 5.000 euro per un logo, ma è disposto a farlo per una soluzione ai problemi del suo business.

Quando il cliente dice “spendo troppo” di solito intende “rischio troppo” / “non riesco a vedere il valore per me di quello che proponi”.

Per questo il primo consiglio che ti do è quello di inserire nella tua proposta non tanto un listino di cose che consegnerai (come il logo, l’identità, la grafica per i biglietti da visita, etc.), ma piuttosto quali sono i problemi che il tuo lavoro risolverà e i benefici che avrà il cliente, a breve e a lungo termine.

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Qui Lorenzo Miglietta di Grafigata.com e quella che stai leggendo è la Grafi-newsletter✨.

All’inizio dell’anno ha girato un po’ sui social quella challenge, in cui le persone mettevano i loro contenuti del 2016 a confronto con quelli di adesso.

Beh, in realtà questa cosa mi è tornata in mente leggendo alcuni messaggi e domande che mi sono arrivate dalla community.

E mi sono quindi messo a dare un'occhiata ad alcuni vecchi video sul mio canale YouTube.

Video come “Come diventare designer”, “come imparare la grafica” o “che cos'è il graphic design” che ora sono tra i video più visti del mio canale con decine di migliaia di visualizzazioni.

E ho provato a ragionare su cosa fosse “superato” e cosa no.

Perché anche nel mondo del graphic design e di cosa fa un graphic designer un botto di cose sono cambiate dal 2016 a oggi.

Ed è importante capirle e tenerne conto… ma anche no.

Ok, devo spiegarti meglio.

Ma prima voglio che ci mettiamo d’accordo sulle parole, ritornando alle basi.

Graphic designer sì, grafico no - soprattutto nel 2026

Non voglio mettermi a parlare di linguistica, anche perché non ci capisco molto. Però magari hai notato che nei video, e in generale nei contenuti di Grafigata, di solito uso il termine graphic designer, o persino designer e basta, invece di grafico-grafica.

E lo so che hai pensato che volessi semplicemente fare il figo e usare un termine in Inglese 🧐.

Invece c’è una grossissima differenza tra queste due definizioni, e penso sia proprio il caso di partire da qui.

Se vai a cercare sul vocabolario il significato di grafico, ti viene fuori questo

2 [f.-a] lavoratore di un ramo delle arti grafiche: il sindacato dei grafici | disegnatore che lavora nella pubblicità o nell’editoria - Garzanti

Questa definizione ti fa capire subito che si sta parlando di una figura professionale che, in pratica, “disegna cose”. Un lavoro quindi molto legato all’esecuzione e che svolge compiti che oggi, e probabilmente ancora di più in futuro, possono essere delegati ai software.

Graphic designer per me racconta invece una cosa completamente diversa.

Perché, dentro, c’è la parola designer, quindi progettista.

Io infatti ogni tanto uso anche la versione italiana, che è appunto progettista grafico.

La questione è un po’ già tutta qui: nella differenza tra chi mette in pratica delle tecniche, anche in modo eccellente. E chi, prima di tutto, si occupa di progettare soluzioni. Ed è in grado di stare dietro a tutto il processo, non solo a un pezzettino, e di dare valore e personalità a quel progetto attraverso tutta una serie di scelte consapevoli.

Scelte consapevoli e coerenti.

Perché, almeno per ora, questa cosa le intelligenze artificiali non la sanno fare davvero bene. Sanno, al limite, fornire quel materiale che poi sta al designer selezionare.

Insomma, secondo me la prima differenza enorme tra il 2016 ed oggi sta proprio nel fatto che oggi è OBBLIGATORIO diventare graphic designer, se vuoi avere una carriera soddisfacente, e non ti basta più di sicuro fare il grafico, o la grafica.

Anche perché ovviamente se parliamo di ciò che è cambiato… c’entra molto l’IA generativa, sì.

2016-2026 Cos’è cambiato

Questa è facile: quello che ha cambiato di più il mestiere del graphic designer negli ultimi dieci anni è sicuramente lo sviluppo delle tecnologie di intelligenza artificiale.

Ne ho parlato anche in questo nuovo video, dove ti racconto un po’ cosa ne penso di come si diventa designer nel 2026.

La prima cosa che ti voglio dire a riguardo è questa: sì, credo che questi strumenti diventeranno (in parte sono già diventati) parte necessaria di questo lavoro.

La seconda che ti voglio dire subito dopo è: no, non penso che sostituiranno il lavoro del graphic designer.

Anzi, io credo proprio che la diffusione dell’IA renderà sempre più necessarie le competenze del graphic designer. Adesso ti spiego perché.

L’IA ti obbliga a saper progettare

Le intelligenze artificiali vanno fortissimo quando gli chiedi, non so, di darti 500 diverse opzioni per un logo. Oppure di darti dei consigli sul font o sulla palette. Bene: ma come fai a sapere quale, di quelle 500 opzioni, è quella che funziona meglio?

È ovvio: devi conoscere bene le basi teoriche del graphic design, e devi anche avere un po’ di esperienza pratica, proprio quella che manca ai modelli IA. Ma facciamo insieme ancora un passo indietro: se vuoi che i software di intelligenza artificiale ti diano una mano, sei tu che devi dargli le istruzioni. Meglio ancora, le devi addestrare: quindi fornire informazioni valide.

Perché ormai questo lo abbiamo capito: i buoni risultati li ottieni solo se addestri questi strumenti con ottimo materiale. Come vedi torniamo all’inizio: devi avere tu un sacco di conoscenze per sapere cos’è un buon materiale, e saper scegliere cosa dare in pasto all’IA.

Devi evitare la mediocrità

Dicevo che ormai abbiamo anche capito un po’ meglio come funzionano questi modelli. Fanno una grossa “media” di quello che conoscono.

Vuol dire che, per definizione, i risultati che ti forniscono sono, appunto, mediocri.

Però lo scopo della comunicazione è proprio il contrario. Per attirare l’attenzione e dare forza al tuo messaggio, ti devi distinguere.

E per progettare qualcosa che si distingue, che emerge dalla mediocrità, devi saper progettare, saper pensare, scegliere, selezionare.

2016-2026 Cos’è rimasto uguale

Partiamo dalle basi. Resta uguale quello che, secondo me, è la vera sostanza del lavoro del graphic designer.

Che, lo dico da forse anche prima del 2016, è

saper usare forme, colori, lettere per aiutare le persone a capire meglio le cose.

Questa cosa non è cambiata, e penso non cambierà mai. Se ti sembra semplice, prova a pensare a tutti gli universi di competenze che si aprono a partire da “forme, colori, lettere”.

Si tratta di capire come funzionano i colori, come funziona la psicologia delle forme. Padroneggiare bene cos'è e come funziona la tipografia. Poi, imparare anche molto bene la composizione, cioè come puoi organizzare al meglio tutti quegli elementi per creare un progetto che funziona.

La formazione è importante

Questo lo voglio chiarire, perché un sacco di volte, quando pubblico contenuti che parlano della formazione da graphic designer, e magari del metodo di Grafigata, mi arrivano un sacco di commenti arrabbiatissimi da chi ha frequentato le scuole superiori, e soprattutto preso una laurea, in grafica e design.

Una volta per tutte: io stesso sono laureato. Credo che la formazione, a tutti i livelli, sia importantissima. Avere la possibilità di studiare per anni una certa materia, e soprattutto “imparare a imparare” è un’opportunità ENORME. Ho sempre invitato tutte le persone che mi hanno chiesto consiglio, se possono, a frequentare l’Università.

Posso anche dirti però, proprio perché ho parlato negli anni con centinaia di aspiranti graphic designer, che un sacco di persone che hanno ottenuto lauree triennali, e anche specialistiche, si sono rivolte a noi perché gli mancava qualcosa.

Non si sentivano in grado di affrontare il mondo del lavoro, perché non avevano avuto la possibilità di sperimentare in prima persona un processo completo, e di apprendere un metodo per gestirlo in tutte le sue fasi.

Il metodo lo è di più

Finora ti ho elencato una serie di conoscenze e competenze che sono fondamentali, oggi come 50 anni fa, per chi vuole fare graphic design.

Eppure nessuna di queste è importante quanto avere un metodo. Che, te lo garantisco, non è qualcosa di astratto. Al contrario è un insieme di tecniche indispensabili per portare a termine un progetto.

Per semplicità te le divido in due categorie. Quindi per diventare graphic designer nel 2026 è fondamentale

Imparare a pensare

Te l’ho anticipato: oggi, più di prima, al cliente non servono prodotti. Servono soluzioni, a problemi spesso anche complessi.

E l’unico modo per costruire un solido processo creativo, che ti permetta di trovare sempre idee interessanti e soluzioni azzeccate, è allenarsi a pensare.

Lo puoi fare in tanti modi: di sicuro è utile leggere tanti libri, o guardare documentari, o studiare gli archivi di grafica. Imparare e sperimentare tecniche nuove grazie ai tutorial.

E poi anche studiare un sacco di portfolio e casi studio. Ma non in modo superficiale o per scopiazzare. In realtà dovresti proprio avere come obiettivo quello di “smontare” i progetti che studi, per capire come dall’esigenza iniziale si è arrivati alla soluzione.

In pratica il mio suggerimento è quello di esercitare la curiosità. Perché è solo grazie all’atteggiamento di curiosità che riesci a trovare sempre quella soluzione che risponde alle esigenze del cliente ed emerge dalla mediocrità.

Impara dall’esperienza

Tutte le cose di cui ti ho parlato prima, però, rimangono poco utili e danno risultati deboli, e poco maturi, senza l’esperienza.

E con esperienza non intendo sfornare una quantità di progetti personali, per farti un esempio. Intendo piuttosto aver avuto occasione di confrontarti con un feedback.

Perché confrontarsi con un feedback, soprattutto se viene da qualcuno di preparato, e che a sua volta ha accumulato esperienza nel settore, dà un’enorme potenziamento al tuo lavoro.

Ti aiuta a vedere cose che tu, per conto tuo, non riusciresti mai a focalizzare.

Questo è uno dei motivi per cui oggi noi di Grafigata offriamo proprio percorsi progettati apposta farti imparare, senza spreco di tempo, tutto quello che serve a diventare designer. Che comprende ovviamente possedere le basi teoriche e tutto quello che riguarda gli strumenti che dovrai utilizzare, ma soprattutto ricevere feedback.

I nostri percorsi sono diventati infatti dall'essere dei semplici corsi con delle video lezioni dove tu entravi, ti guardavi dei video e poi fatti tuoi, diciamo così, si sono evoluti, sono diventati dei veri e propri percorsi di tutoraggio dove a ogni studente e studentessa che entra viene garantito l’affiancamento di un designer professionista.

Così acquisisci le competenze e l’esperienza che ti servono, in un tempo davvero breve, e puoi cominciare a costruire un profilo professionale che è importante e ricercato oggi, e lo sarà anche tra trent’anni.

Agisci subito

Se a questo punto te la senti davvero di diventare graphic designer, oggi nel 2026, e pensi di avere già un bel po’ di caratteristiche che ti ho elencato qui, ti consiglio di

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Puoi ricevere informazioni e prenotarti per fare una consulenza strategica gratuita con il mio team, che ti saprà aiutare a capire qual è il percorso su misura pensato, ideato e strutturato per te e se effettivamente le nostre soluzioni sono adatte alla tua situazione, ai tuoi obiettivi e a quello che effettivamente vuoi ottenere.

Spero davvero che ti sentirò presto per darti il benvenuto dentro uno dei percorsi Grafigata. Intanto però ti saluto e ti do appuntamento alla prossima settimana

Un abbraccio,

Lorenzo.

Qui Lorenzo Miglietta, fondatore di Grafigata.com e quella che stai leggendo è la Grafi-newsletter✨.

In questi anni su Grafigata ho scritto centinaia di articoli e newsletter, pubblicato decine e decine di video, progettato e girato i migliori corsi di grafica online in italiano, formato e seguito in affiancamento centinaia di studenti e studentesse.

Eppure…

Come designer ho un ENORME punto debole.

Oggi ti voglio proprio parlare di questo, per spiegarti com’è possibile che le due cose stiano insieme e soprattutto per darti delle soluzioni fighissime su come cavartela, oggi, con gli strumenti per fare grafica.
Quindi software, sì, ma anche strumenti e software di intelligenza artificiale.

Ma prima, a proposito di strumenti: da questo numero, ho deciso di portare la grafi-newsletter su Substack.

Non cambia il nostro appuntamento, che rimane (a parte oggi) ogni giovedì alle 9 in punto.

Non cambierà nemmeno quello che è sempre stato il valore di questa newsletter: darti informazioni e spunti di riflessione sul mestiere della grafica, ma soprattutto condividere con te qualcosa che ti sia davvero utile per migliorare il tuo lavoro come designer.

Visto che si tratta di comunque di un nuovo inizio, penso sia giusto presentarmi, di nuovo.

Ma in un modo un po’ diverso dal solito.

Ti rivelo il mio più grande punto debole (o forse no?)

Ok, c’è una cosa che non sai, ed è arrivato secondo me il momento di condividerla.

Beh, in pratica: sono sempre stato un impostore!

Sì sì, hai capito benissimo.

Scrivo, giro video, progetto contenuti, faccio il tutor, eppure… sono sempre stato un impostore!

Già, perché io, in pratica, sono scarso a usare i software (ci ho anche fatto questo video).

Quanto scarso? Beh non proprio incapace, quello ok.

Però… abbastanza scarsino? Tanto da averlo sempre considerato un po’ il mio tallone d’Achille.

Pensa che 2-3 volte mi è successo, nei commenti sotto a dei miei video, che qualcuno mi abbia chiesto “scusa ma perché hai fatto così? Era più comodo e veloce in quest’altro modo”.

E io: …

La verità è che io non ho mai imparato a “livello guru” i software di grafica perché non ne ho mai avuto davvero bisogno.

Mi spiego meglio.

Per me la cosa più importante nel graphic design è sempre stata la capacità di progettare.

Elaborare e sviluppare idee, concept… creare cose insomma.

Una volta trovata la giusta impostazione del progetto, sono poi sempre riuscito, in un modo o nell’altro, a concretizzarlo nel modo in cui volevo io.

Usando lo strumento X o lo strumento Y. La funzionalità del software A oppure quella B.

Ed è infatti per questo che negli anni su Grafigata non mi sono mai messo a fare video tutorial sulla “chicca segreta di Illustrator” o cose del genere.

Perché ho sempre ritenuto più utile fare altro. Sia per me che per la community di Grafigata!

Sai però qual è la cosa bella?

È che quello che io pensavo fosse il mio più grande tallone d’Achille ora lo vedo come la mia più grande forza.

Specialmente in questo mercato. In questo preciso momento storico.

Perché anno dopo anno l’intelligenza artificiale sta pian piano sostituendo tantissime cose che prima si doveva fare attraverso i software.

Gli stessi software stanno radicalmente cambiando, con sempre nuove funzionalità di “vibe design”, di prompt e molto altro.

E quindi… lo dico: godo come un riccio 🦔

Perché? Perché quello in cui sono sempre stato più forte è la capacità di progettare, al di là degli strumenti usati.

E ‘sta cosa secondo me oggi conta più di ogni altra “capacità” o conoscenza per un designer.

Ma lascia che ti racconti meglio.

E te lo voglio raccontare usando tutto quello che imparato in questi 12 anni per darti 3 suggerimenti su come approcciare i software di grafica. Oggi.

La prima cosa che voglio dirti è per me super importante:

1. Non serve sapere tutto se sei all’inizio. E nemmeno dopo

Sì, esatto: non ti serve conoscere a menadito ogni singola cosa tecnica. Sia che tu sia agli inizi oppure no.

Sfrutta quello che c’è, tutte le risorse che ci sono.

Perché sono veramente tante.

Dai tutorial su YouTube, ai blog internazionali, ai video e agli articoli di Grafigata.

Online c’è una marea di informazioni che puoi usare per colmare le tue lacune quando ne hai bisogno.

Lo faccio sempre anche io quando mi manca un pezzetto o non ricordo come si fa qualcosa.

Pensa che spesso mi vado a rivedere le mie stesse lezioni o quelle dei corsi di Grafigata per ricordarmi o ripassare qual è il modo migliore per fare qualcosa!!!

E secondo me va benissimo così.

Perché, se ci pensi, alla fine il lavoro del designer è proprio quello di risolvere problemi, a partire da un certo bagaglio di risorse.

Nel caso dei software di grafica, o di qualsiasi altra lacuna che riguarda dei passaggi tecnici, oggi davvero non farai nessuna fatica a trovare, volta per volta, lo strumento o le informazioni che ti servono per realizzare quello che hai in testa.

Perché, diciamocelo pure, in questo senso l’intelligenza artificiale ha ampliato quasi all’infinito le tue possibilità, che pure erano già moltissime prima che questa tecnologia si sviluppasse.

Mi viene in mente un esempio che ho sperimentato negli ultimi giorni: se hai bisogno di fare un brand manual oggi non devi più spenderci le giornate.

Ci sono degli strumenti, come Akrivi, a cui basta dare il logo che hai prodotto e la palette e ti genera un brand manual già impaginato.

Senza nemmeno dover uscire da Illustrator (è un’estensione).

Il tempo che avresti dovuto impiegare per crearlo da zero puoi usarlo invece per, ad esempio, creare più casi d’uso o progettare applicazioni in più per il cliente.

E potrei citarti un sacco di altri strumenti del genere. Ad esempio se devi progettare una palette vai su Huemint e in pochi secondi puoi generare un sacco di possibili combinazioni, su cui mantieni comunque un ottimo controllo, perché puoi dargli delle istruzioni molto precise su quello che stai progettando.

Lo stesso discorso vale per la trascrizione di una call per ricavare un brief strutturato, o la possibilità di usare un qualsiasi LLM per crearti una sacco di brief realistici da cui prendere spunto per i progetti personali con cui popolare il tuo portfolio.

Tutte queste sono cose che puoi benissimo lasciar fare alle macchine: anzi, ti conviene proprio delegarle.

Quello che invece non puoi proprio delegare, neppure all’IA, sono le scelte su cui si basa il tuo progetto: quelle che dipendono dagli obiettivi che vuoi raggiungere e da quali mezzi o processi ritieni più convenienti per raggiungerli.

2. Punta su ciò che davvero serve a un designer: guardare, pensare, selezionare

La vera differenza oggi, e nel prossimo futuro, secondo me la farà proprio la capacità di fare delle scelte.

Detta in un altro modo: la competenza progettuale.

Davvero, ‘sta cosa oggi è fondamentale.

L’intelligenza artificiale non ha eliminato la necessità di saper progettare.

L'ha resa più importante.

E, come ti dicevo prima: io davvero sono gasatissimo.

Perché il mio tallone d’Achille così diventa sempre meno rilevante 😂

Cioè questo è proprio il mio campo, quello in cui non solo mi reputo molto forte, ma so di essere anche molto forte anche a insegnarla, quella roba lì.

Già da due anni tutti i percorsi di Grafigata sono basati sul far capire, sullo spiegare, sull'insegnare come progettare in modo completo, corretto, strutturale e in maniera autonoma.

Come lavorare ad altissimi livelli di qualità in qualsiasi contesto, per qualsiasi cliente, per qualsiasi tipologia di progetto.

Saper pensare, prendere decisioni, selezionare quello che ti arriva dall'intelligenza 
artificiale, diventerà probabilmente una delle skill più importanti nei prossimi anni.

Per selezionare, oltre a una buona cultura progettuale, ti serve prima di tutto un buon occhio.

Quindi il consiglio che ti do, soprattutto se sei tra le persone che temono che l’intelligenza artificiale stravolgerà questo lavoro, è di usarla per risparmiare tempo.

E poi usare quel tempo per diventare insostituibile.

Allena il tuo gusto e la tua competenza visiva: fai ricerca, frequenta mostre, guarda un sacco di cose belle.

Allena la tua capacità progettuale. Puoi cominciare studiando grossi progetti di grandi agenzie e designer, “smontarli” nelle loro fasi per capire dove e come sono state fatte le scelte giuste, quelle che anno prodotto risultati eccezionali.

3. Non ti fissare con i software (e nemmeno con l’IA)

Quando ho cominciato a scrivere di grafica - e sono passati più di dieci anni! - il contesto del mercato era molto diverso da oggi.

Allora era possibile che, a livello super-junior, ti prendessero in agenzia davvero perché sapevi smanettare con un software, anche solo per scontornare i capelli.
O usare InDesign per preparare un file alla stampa; anzi, c’erano proprio persone che di lavoro in pratica facevano solo quello.

Però, appunto, parliamo di dieci anni fa. Oggi tutti i principali software di grafica professionale hanno funzioni avanzatissime, che per lo più passano attraverso prompt di testo - quindi c’entra l’intelligenza artificiale generativa - ma non solo.

Io tra l’altro sono convinto che sia una questione di tempo, ma tra pochissimo  qualche azienda, che sia Adobe, o Canva, o Figma, oppure ancora qualcuna di cui non abbiamo sentito ancora parlare, farà uscire un software per la grafica completamente azionato da prompt.

Quindi oggi saper usare, anche perfettamente, un software, non è più un valore che puoi spendere sul mercato del lavoro.

La capacità invece di adattare il tuo flusso di lavoro integrando di volta in volta gli strumenti più efficaci per i tuoi obiettivi, quello sì che ti rende indispensabile.

Sono anche convinto che lo stesso discorso che ti ho fatto per i software di grafica tradizionali vale oggi per i modelli di IA.

Cioè non serve che diventi super-specialista di Nano Banana, oppure di Firefly. Può darsi che tra 5 anni non ci ricordiamo più neppure che sono esistiti.

4. Prendi il controllo - impara a progettare

Te la metto in questi termini: pensa ai software - anche ai modelli IA - come a dei tuoi collaboratori. Che sono molto bravi ad eseguire, ma non hanno l’esperienza e la competenza per seguire un progetto di grafica dall’inizio alla fine.

Il tuo ruolo a questo punto deve cambiare: perché non ti devi più preoccupare di pulire un tracciato o di sistemare la luminosità di una foto. Però devi saper dare ai diversi strumenti le istruzioni giuste su come svolgere i loro compiti.

In pratica, devi prendere il controllo e cominciare a progettare, invece di eseguire.

Progettare anche il lavoro dei software.

Quindi, prima di tutto, devi saper gestire al meglio l’intero processo di un progetto grafico: che va dall’analisi del bisogno del cliente, al brainstorming, alla prototipazione, fino alla realizzazione concreta dei diversi output (un packaging, una grafica social, un poster …).

Non è banale acquisire queste competenze, perché l’offerta di formazione sulla grafica spesso è ancora legata a dinamiche letteralmente del secolo scorso. Grafigata, ovviamente, con la sua proposta di percorsi con tutoraggio, cerca di essere una eccezione nel panorama italiano.

Una volta che hai definito il processo, devi saper sfruttare gli strumenti che hai a disposizione per risolvere i problemi di partenza e raggiungere in modo efficace i tuoi obiettivi.

Mi viene in mente uno dei primi casi di applicazione dell’IA nel graphic design per un progetto importante. Nel 2024 Pentagram ha curato il restyling del sito performance.gov: un servizio che il governo degli Stati Uniti offre ai cittadini, che così possono tenere traccia dei risultati dell’amministrazione in carica.

Ecco, quel sito ha un’infinità di pagine, e aveva bisogno di un corredo grafico di icone praticamente sterminato.

Crearle a mano, e farlo mantenendo qualità e coerenza, voleva dire impiegare tantissimo tempo e tantissime risorse. La soluzione è stata quella di partire da delle illustrazioni realizzate a mano, con grande cura, che sono state utilizzate per addestrare il modello di IA.

Che, grazie a quell’input, ha generato migliaia di possibili icone ed elementi grafici. Da lì il compito del team guidato da Paula Scher è stato, appunto, quello di scegliere. Selezionare quali tra quelle migliaia di bozze poteva funzionare, e come utilizzarle dentro il sito.

Ho scelto questo esempio per farti capire che, con l’intelligenza artificiale, non è vero che scomparirà il lavoro del graphic designer.

Anzi, io credo si specializzerà. Perché ci vorranno materiali di qualità sempre più alta e sempre più originali da fornire ai modelli per addestrarli, sempre più capacità di selezionare i risultati, sempre più abilità nel costruire flussi ottimizzati di lavoro.

Una promessa

Voglio chiudere questo esperimento con la newsletter con una promessa: prestissimo condividerò un po’ di contenuti in cui ti farò vedere proprio come puoi migliorare, e di tanto, il tuo workflow attraverso gli strumenti di intelligenza artificiale.

Intanto mi fa molto piacere se anche tu provi a uscire dalla tua comfort zone e usare un nuovo strumento: qui su Substack ci sono i commenti!

Scatenati: dimmi quando ti sei sentito o sentita anche tu un impostore. Quali pensi siano le skill fondamentali per chi fa graphic design, e che rapporto hai con l’intelligenza artificiale.

Non vedo l’ora di fare una bella chiacchierata con tutta la community.

In ogni caso, ci sentiamo la prossima settimana

Un abbraccio,

Lorenzo.

P.s.:
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